"El Descendimiento" de Roger van der Weyden

Esta obra es de uno de los pintores más destacados del estilo Gótico flamenco, cronológicamente la situamos en la primera mitad del siglo XV, su tema es religioso y la técnica pictórica es óleo sobre tabla, típica de esta escuela de pintores.

Este Descendimiento de Cristo de la cruz es una magnífica obra de Roger Van der Weyden, quien lo planeó la pintura siguiendo los esquemas de los retablos escultóricos alemanes y flamencos de esa época; es decir, como una caja espacial estrecha, en la cual se colocan a manera de friso los personajes esculpidos, frontales y ajustados al escaso fondo que se les concede. Este planteamiento es el que observamos en el Descendimiento de Van der Weyden: todas las figuras se distribuyen en un primer plano, yuxtapuestas pero procurando que ninguna oculte a las demás. La evocación del estilo escultórico se consigue con el volumen y modelado en los cuerpos, que se aprecia de manera sobresaliente en el cuello de la mujer que se encuentra en el extremo derecho de la composición. Las figuras, diez en total, son Cristo muerto, María, San Juan y los santos varones y mujeres, incluida la Magdalena. Todos ellos llevan hermosos ropajes, cuyas texturas permiten diferenciar terciopelos, sedas, damasquinados, etc. Es también una característica propia del arte flamenco ésta de resaltar la calidad de las materias que aparecen. Es un indicativo del poder del que encarga la pintura. Además, todo el fondo está recubierto por riquísimas láminas de pan de oro, y abundan los azules y los verdes, pigmentos que proceden de moler piedras semipreciosas. El fondo dorado, además de una ostentación de riqueza, impide que la mirada del espectador profundice en otra cosa que no sea la escena, desarrollada por este marco en un espacio mágico e irreal, sin referencias humanas. En cuanto a la composición, destacan la disposición  diagonal de las figuras de Cristo y la Virgen y la disposición de las figuras de los extremos, que cierran la escena como si de paréntesis se tratasen. Otras características propias de los pintores de esta escuela son el detallismo (ropajes, cabellos, lágrimas...), el simbolismo de los objetos (entre otros, la calavera y huesos que simboliza la muerte y las hierbas y flores que aparecen, que representan la esperanza de la vida, de la resurrección).

La obra fue encargada para la capilla de los Ballesteros de Lovaina, lo cual se refleja en el marco: en los extremos superiores aparecen unas pequeñas ballestas que identifican a los donantes. Felipe II, gran admirador del arte flamenco, trató infructuosamente de comprarla. Años más tarde, la tía del emperador, María de Hungría, consiguió adquirirlo para la colección real española.

"El David" de Miguel Ángel

Contemplar el David impresiona. Hace años, cuando fuimos a Florencia con nuestros alumnos del Instituto de Santa Marta, pude observar la emoción en sus ojos y el impacto que provocaba la obra en ellos y, por supuesto, también, en mi.

Una obra de más de cuatro metros de altura, complicada, si tenemos en cuenta que el bloque de mármol disponible para su ejecución era demasiado estrecho y fue rechazado por otros escultores contemporáneos; de una  ejecución maestra, donde destaca la perfección en la representación de la musculatura, así como de venas y tendones del personaje; que, además, transmite la tensión que precede al enfrentamiento con el gigante y temible Goliat, con esa mirada y actitud pensativa, pero que a la vez  refleja la resolución en su acción.

La obra es de una belleza inigualable y se convirtió en el símbolo de la ciudad de Florencia, una ciudad, por otra parte, que refleja tanta belleza que abruma.

Miguel Ángel Buonarroti es el artista por excelencia. Pintor, escultor y arquitecto genial, representa como nadie el artista polifacético del Renacimiento, la perfección. Sus obras se han convertido en iconos del arte: la cúpula de San Pedro del Vaticano, las pinturas de la Capilla Sixtina (La Creación y El Juicio Final), la Piedad, El Moisés, El David... Miguel Ángel decía que él sólo se limitaba a sacar lo que el bloque de piedra contenía en su interior, como si sus ojos pudieran contemplar mágicamente lo que podía sacarse de cada una de ellas.

Dicen que Rafael fue un artista muy querido y demandado en la época por su maestría pictórica y por su buen trato, ese que le faltaba a nuestro Miguel Ángel, cuyo mal genio era  conocido, pero es que Dios  debió de pensar que no podía darle tantas virtudes a un sólo hombre.

"El rapto de Proserpina" de Gian Lorenzo Bernini

Bernini es uno de esos artistas colosales, completos y únicos, como Miguel Ángel.

Es el artista por excelencia del Barroco. Su obra arquitectónica y escultórica son deslumbrantes, pero si tuviera que quedarme con una de sus obras sería "El rapto de Proserpina". Mito y obra son maravillosos y Bernini nos transmite con la obra sentimientos contrapuestos: fuerza y debilidad, deseo y temor...

Proserpina, hija de Ceres, diosa de la cosecha, será raptada por Plutón, dios del Infierno. Su madre, desesperada, pidió ayuda a Júpiter, que se vio obligado a interceder y permitir que Proserpina pudiese volver con su madre durante seis meses, la primavera y el verano, que Ceres celebra con el florecimiento de la vida.

La obra es maravillosa, realizada para ser vista desde distintas perspectivas, cada una de ellas con diferentes visiones, llena de dinamismo, con una composición en sentido ascendente y de una plasticidad única, que demuesta el espectacular dominio del mármol del autor, ver cómo los dedos de Plutón se hunden en las carnes de la joven es asombroso y de una gran sensualidad. La obra refleja también la oposicion entre el cuerpo musculoso y la violencia del dios frente a la suavidad y fragilidad que transmite Proserpina.

Qué maravilloso es el arte, que nos deleita y nos eleva hacia un estadio superior. 

“La lectora”. Pierre-Auguste Renoir, 1875.

Pierre-Auguste Renoir es uno de los grandes pintores impresionistas. Se le conoce como el pintor de la alegría y de la luz, pues trató de reflejar escenas placenteras en las que el sol baña la piel y los rostros de sus figuras. En su obra predominan los colores suaves, principalmente los amarillos y anaranjados, con pinceladas alargadas. Renoir, al igual que el resto de impresionistas pintó paisajes, pero en él predomina la representación humana y los retratos, especialmente de figuras femeninas, y también las escenas interiores.

Esta obra retrata a una mujer que disfruta del íntimo placer de la lectura, todo ello acentuado por una luz que lo impregna todo y un alegre colorido, en el que destacan las líneas negras que delimitan sus ojos y el rojo de sus labios.

Nada mejor que esta obra para celebrar el día del Libro y el placer de la lectura.

¡Feliz día del Libro!

Edward Hopper (1882-1967):

Pintor perteneciente a la corriente del realismo americano, destaca por ser fiel reflejo de la vida moderna estadounidense, donde la soledad y la incomunicación de sus escasos personajes, que se sitúan en escenarios cargados de cierta melancolía poética, son la nota dominante de sus obras. Las influencias impresionistas de sus inicios quedan patentes en la importancia que adquiere la luz en sus cuadros, ya sea natural o artificial, una luz que baña las escenas y que en contraste con las sombras sirve para resaltar la tristeza y la soledad de las figuras humanas.

Soledad, silencio tristeza, melancolía, y pesimismo se desprende de la contemplación de sus obras que, sin embargo, provocan una enorme atracción.

El Rapto de La Sabina. Giambologna

El Rapto de La Sabina. Giambologna, 1582. Estilo Manierista. Mármol blanco. 4.10 m. Florencia, Italia.

A medio camino entre el Renacimiento y el Barroco se haya esta obra de Giambologna, caracterizada por la perfección de los cuerpos propia del clasicismo, el movimiento ascendente (serpentinata) característico del manierismo y el dinamismo, el dramatismo y la multiplicidad de puntos de vista que preludian el barroco, si bien los rostros de los personajes destilan cierta falta de expresión. La obra representa el rapto de las mujeres sabinas por los romanos, que carecían de mujeres con las que poblar su ciudad. La obra se compone de tres figuras, el anciano impotente en el suelo que representa al padre de la sabina, el joven y vigoroso secuestrador romano y la desesperada sabina que trata de zafarse de su captor. La obra, indudablemente, influiría en el extraordinario Bernini con su Rapto de Proserpina.

APOLO Y DAFNE DE GIAN LORENZO BERNINI

El dios Apolo, orgulloso de su hazaña tras acabar con la serpiente Pitón con su arco y sus flechas, al encontrarse con el aniñado Eros, que portaba su diminuto arco, se mofó de él. El dios del amor, enfadado por las burlas del soberbio Apolo, le lanzó una flecha de amor a éste y otra de desamor a la bella ninfa Dafne. Tras ello, Apolo, loco de deseo, perseguía a la joven ninfa, por lo que esta pidió ayuda a su padre, Peneo, el cual conmovido por la petición de su hija la transformó en árbol de laurel. Apolo, dios de la música y de la poesía, en honor a este amor convertiría al laurel en su árbol sagrado y, desde entonces, los atletas, músicos y poetas triunfadores en los juegos se coronarían con hojas de laurel en conmemoración al amor del dios hacia su desdichada Dafne.

Este bello mito ha sido representado en el arte en múltiples ocasiones, pero quizás la más destacada haya sido la escultura que realizó en el siglo XVII Gian Lorenzo Bernini y que se expone en la Galería Borghese de Roma.

La obra de Bernini, realizada en mármol y de gran tamaño, permite valorar la extraordinaria maestría del autor para plasmar las diferentes texturas (piel, cabellos, corteza del árbol, telas…) y para captar el instante fugaz en que se está produciendo la metamorfosis de Dafne. El realismo de las figuras, el dramatismo en la expresión de la ninfa al sentirse alcanzada por Apolo y transformada, la sorpresa de Apolo, el uso expresivo de luces y sombras, la sensualidad, el movimiento, la original composición… son los ingredientes maravillosos que componen esta extraordinaria obra de arte.

Jean-Baptiste-Camille Corot

Es junto con John Constable uno de los paisajistas que más me atraen. Corot realiza sus pinturas al aire libre, con pinceladas sueltas y donde el color, la atmósfera, la luz y sus reflejos en el agua generan una sensación mágica, idílica y romántica. Además de paisajes se dedicó a pintar a la figura humana, aunque a mí personalmente son sus paisajes la mejor expresión de su arte.

Será uno de los pintores de la llamada Escuela de Barbizón y uno de los principales precursores del impresionismo y que influirá en artistas como Monet, Renoir, Morisot y Pissarro.

EDUARDO NARANJO Y EL HIPERREALISMO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO

El pintor y grabador extremeño contemporáneo Eduardo Naranjo representa el llamado realismo mágico onírico, aunque a él no le gusten las etiquetas. Su extraordinario dominio del dibujo, su calidad técnica, su detallismo, sus reflejos, su luz, sus desnudos… sus pinturas parecen auténticas fotografías, pero mejoradas, pues tienen un valor expresivo extraordinario. A mí sus obras me transmiten soledad, nostalgia, ternura, belleza y retazos de un tiempo pasado. Son auténticas poesías en forma de imágenes.

Fue en mis años de estudiante de Historia en Cáceres cuando conocí su obra, y me impresionaron, pero me reencontré con él cuando con mi compañero Jose Jerónimo hicimos esas visitas con nuestros alumnos al Museo de Bellas Artes de Badajoz, donde se exhibe alguna de sus obras, que no pasaron desapercibidas para nuestros alumnos.

Sin caer en un chovinismo irracional, me siento muy orgulloso de que Naranjo sea extremeño y creo que sus vivencias en nuestra tierra han perfilado esa personalidad artística tan genuina.

Entre los hiperrealistas españoles podemos destacar a Antonio López o Pedro Campos y a nivel internacional artistas como Diego Fazio, Jason Degraaf o Hilo Chen entre otros. Algunas de sus obras parecen auténticas fotografías.

GOYA: SATURNO DEVORANDO A UN HIJO (PINTURAS NEGRAS). SALA 67 DEL MUSEO DEL PRADO (1820-1823).

La obra de “Saturno devorando a sus hijos” es una de las llamadas pinturas negras de Goya. Fue pintada en una de las paredes del comedor de la planta baja de la Quinta del Sordo, a donde se retiró Goya en sus últimos años. Saturno o Cronos era el dios del tiempo, quien tras derrocar a su padre, Urano, se convirtió en rey del Olimpo. Saturno conocía la profecía de que uno de sus hijos lo destronaría y, por tanto, tras parirlos su esposa, los devoraba. Pero, Rea, la esposa, tras tener a Zeus (o Júpiter) lo escondió y, finalmente, será éste quien acabará derrocando a su padre y ocupará su trono.En esta pintura, Goya parece querer representar a un monstruoso dios del tiempo que devora a sus hijos, los seres humanos. Y es que Goya, viejo y enfermo, se haya obsesionado con el imparable paso del tiempo y con la fugacidad de la vida, que en su caso está llegando a su fin; y lo hace con una gran expresividad, transmitida a través del uso de tonos oscuros (donde predominan el negro del fondo, el rojo de la sangre y el ocre de los cuerpos) y de la ferocidad y deformidad del rostro y del cuerpo del dios.

EL RAPTO DE PROSERPINA. GIAN LORENZO BERNINI, 1621-1622. GALERÍA BORGHESE, ROMA

El rapto de Proserpina me parece excepcional. Se basa en un mito maravilloso y trágico. Cupido lanza una flecha de amor a Plutón, el dios del inframundo, que sale a la superficie tras la explosión del Etna y loco de lujuria rapta a una joven Proserpina sorprendida y que se resiste. Ésta, finalmente, se verá obligada a vivir con Plutón durante seis meses al año a cambio de poder visitar a su madre, Ceres, el resto del año, época en la que al regresar Proserpina florece la vida, la primavera y el verano.

Pero, la bella historia del rapto de Proserpina queda eclipsada con la belleza de la obra de Bernini, su tratamiento del mármol al que da dota de un realismo casi carnal, la capacidad de representar con un único material, el mármol, de difícil factura, diferentes texturas es una de las maestrías de este gran artista del Barroco. Bernini nos presenta a un Plutón, de cuerpo musculoso y fuerte, frente a una Proserpina de piel delicada y carnes blandas. Excepcional obra de arte, que representa las características típicas del Barroco: movimiento, líneas curvas, belleza clásica y obra para ser contemplada desde diferentes puntos de vista.

EL PAISAJISMO DE JOHN CONSTABLE

John Constable es para mí el mejor paisajista. Sus paisajes son grandiosos, en el que se cuelan a veces seres humanos que sirven para resaltar su magnificencia. Su colorido es intenso y con multitud de matices, sus luces y sombras, sus cielos nubosos y sus pinceladas cortas llenan de dinamismo sus cuadros. Obras como "El carro de heno", "La catedral de Salisbury", "El caballo blanco" o "El molino de Dedham" me resultan de gran belleza. Su influencia será fundamental en la Escuela de Barbizon y en el Impresionismo.

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JOHN CONSTABLE - LA PINTURA INGLESA DE PAISAJE DEL SIGLO XIX

Magnífico pintor inglés, maestro del paisaje, enmarcado en el estilo romántico. Sus obras, extraídas…

Caravaggio y Roberto Ferri

Siempre me ha llamado la atención Caravaggio, su vida agitada y breve, su enorme influencia en los grandes pintores del Barroco, sus obras cargadas de enorme realismo, el dramatismo y la teatralidad de sus pinturas, sus monumentales figuras al adoptar ese punto de vista bajo tan característico de su toda su obra (https://www.youtube.com/watch?v=55ZSyipGcG0).
Me acordé de él viendo la obra de un pintor contemporáneo italiano, Roberto Ferri, cuya pintura está influida por Caravaggio y por los pintores barrocos, pero también por el Romanticismo y el simbolismo. Sus desnudos son de una gran belleza clasicista y cargados de erotismo; todo ello, hacen que su obra merezca la pena ser conocida (https://www.youtube.com/watch?v=T2QwK-HtyzU).

Las Pinturas Negras de Goya

No creo que nadie haya logrado llegar tan directamente al espectador como Francisco de Goya en sus pinturas negras. En ellas se reflejan el dolor, el miedo, los temores y las pesadillas de toda la humanidad a través del oscurecimiento de su paleta, de expresiones macabras y de escenas dramáticas y angustiosas.

Goya es de esos artistas a los que la adversidad ayudó a sacar de su interior la genialidad. Se adelantó a los impresionistas, con esas manchas de color, a los expresionistas, usando el color y las expresiones y gestos como modo de transmitir su mundo interior y a los surrealistas como medio de expresar el mundo de los sueños y sus pesadillas más íntimas.

Genial. Único. No hay otras palabras con las que pueda calificarse a Goya. Su vida fue una larga evolución artística y todo, desde sus escenas costumbristas alegres y coloristas; a sus retratos ácidos, críticos y reveladores de sus sentimientos hacia el retratado; a sus episodios históricos llenos de dolor, dramatismo y reflejo del heroísmo anónimo del pueblo: a sus aguafuertes lúcidos y mordaces… nos presentan a un pintor excepcional, pero las pinturas negras son el colofón grandioso a su obra.

Rubens: Las tres Gracias

“Las Tres Gracias” es un cuadro mitológico en el que aparecen reflejadas las tres hijas de Zeus (que representan la belleza, el encanto y la alegría) el pintor barroco Pedro Pablo Rubens en el primer tercio del siglo XVII quiso con el mismo reflejar la alegría de vivir, la belleza y el amor que sentía en esos momentos y no duda reflejar en el mismo a las dos mujeres de su vida, Isabella Brant y Hélène Fourment. Si algo destaca en la obra es la sensualidad, reflejada en el uso de líneas sinuosas y en la transparencia de las gasas. El colorido de las carnes y del paisaje, así como la perfección técnica hacen de ella una obra maestra, no en vano formaba parte de la colección particular de Rubens, sólo tras su muerte saldrá a subasta y será adquirido por Felipe IV de España para la colección real. Hoy es parada obligada en el Museo del prado para todos los enamorados del arte con mayúsculas.

https://www.youtube.com/watch?v=bAOZ2zxb1as

"El Jardín de las Delicias" de El Bosco. S. XV, Gótico Flamenco.

Si hay una obra de arte que a nadie deja indiferente y a todos llama la atención es el Jardín de las Delicias de El Bosco, una crítica genial a lo efímero de los placeres terrenales y a la eternidad de los castigos del infierno. La minuciosidad en los detalles, la profusión de símbolos, la originalidad de su pintura y su mensaje hacen de ella una auténtica obra de arte, que atrae a niños y adultos.

“Las Meninas” de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. S. XVII, Barroco español.

Velázquez, maestro de la luz, de la perspectiva espacial, del color...

Un genio de la pintura, de ese siglo XVII, nefasto en lo político y económico para nuestra España, pero extraordinario en el arte y en las letras.

“La noche estrellada” de Vincent Van Gogh. S. XIX, Postimpresionismo.

Van Gogh fue un artista incomprendido en su tiempo, sin embargo, hoy día nadie duda de su genialidad. Su obra más destacada es "La noche estrellada", en la que el artista nos transmite su agitación interior (esa que le mantenía en el centro psiquiatrico de Saint Remy) a través de esas pinceladas curvas y pastosas, de esas espirales turbulentas, de la fuerza expresiva del color, de los círculos luminosos, del contraste entre líneas horizontales y verticales, presidida por esa llamarada ascendente del ciprés del primer término... Esperanza y miedo se refleja a su vez en la obra.

Van Goht es uno de los grandes artistas porque, como decía Tolstoy, una obra de arte es aquella en la que el artista empatiza con el espectador, y esto es indudable en esta obra de gran belleza y mensaje.

“La Anunciación” de Fra Angélico. S. XV, Renacimiento italiano (Quattocento).

No sé por qué exactamente, pero "La anunciación" de Fra Angélico es una obra que me atrae enormemente, su colorido brillante, sus figuras alargadas, elegantes y serenas, ese mensaje de salvación implícito... Creo que verdaderamente Fra Angélico logró expresar en su pintura la serenidad y la sencillez con que vivía su vida.

Qué suerte tener tan a nuestro alcance esta obra en el Museo del Prado.

La primavera de Sandro Botticelli

La primavera de Sandro Botticelli

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